Hablar de Mingo Balaguer es hablar de la armónica de Blues en España. Desde sus inicios en la histórica y legendaria Caledonia Blues Band cuyo primer disco data de 1989 (Just Rhythm and Blues, Cambaya Records) y varios discos hasta su disolución a mediados de los 90, que conformaron una de las primeras blues bands genuinas en nuestro país, la producción discográfica de Mingo Balaguer ha sido prolífica, con The Blues Blasters, Blues Machine, y sus grabaciones como Mingo & the Blues Intruders, además de colaborando como sideman en multitud de proyectos del género donde ha imprimido siempre su impronta poderosa en términos tonales de la armónica y un lenguaje melódico dinámico y completo en todos los palos del Blues.
Esta impronta exhuberante, herencia sin duda de Little Walter y quizás de instrumentistas del calibre del armonicista californiano William Clarke (1957-1996), tonos agresivos e imponentes que mantienen el tono en la frontera justa de saturación. El álbum BLUE SHADOW, con diseño artístico de Ana Rivas y el propio Mingo), se desenvuelva con maestría en todos los territorios del Blues eléctrico tradicional y contemporáneo, West Coast y Jump-blues (My Little Girl, Happy to meet you baby, Don’t Let me Fall Behind), ritmos neorlinos (Early In the Morning), Chicago Shuffles (Keep On Knockin´, Toxic Woman), Slow Blues (You Nearly Kill Me), Chicago-funk (Unemployment Blues), Chicago Post-War (Down to the liquor store), con evidentes referencias al patrón de Sonny Boy Williamson II, Little Walter shuffle (Sputnik Boogie), ritmos en la vibra de Slim Harpo/Frank Frost (Party Animal). Mingo produce y escribe la totalidad de cortes del álbum, con excepción de Early in the Morning (atribuido a Louis Jordan), con un innegable respeto al género con logradas composiciones que habitan de manera natural los ritmos, grooves y sonidos en la tradición de los Blues que le sirven de referencia.
La labor de la sección rítmica es sólida e incontestable con Oriol Fontanals (Wax & Boogie) al contrabajo, Guillaume Destarac (Nico Wayne Toussaint, CadiJo, Fred Chapellier) a la batería, Paul San Martín al piano y dos guitarristas excepcionales Pablo “Sanpa” y Kid Carlos que siembren con estilos personales muy distintos y abundante talento los distintos cortes del álbum, con líneas dinámicas y extensiones melódicas raramente escuchadas en piezas con un contexto armónico tan definido o restricciones más templadas cuando el tema lo exige (You’re Nearly Kill Me, un tema muy idóneo para los tiempos que estamos viviendo), aportando un contrapeso y equilibrio excelente a la personalidad sónica de Mingo.
Un álbum completo y sólido que cubre todas las bases y trasmite su mensaje con total convicción y maestría, dedicado por el artista a “todas aquellas personas que han sufrido algún tipo de discriminación racial o étnica a lo largo de sus vidas”.
*Si el autor incurre en cualquier errata en referencias o citas, comunicando la misma, se corregirá en cuanto se tenga conocimiento.
*La VBS no se hace responsable de las opiniones, revisiones o críticas discográficas, siendo responsabilidad creativa o menos, de sus respectivos autores.
“GODDAMN BLUES” POR SARA GEE Y RAMBLIN’ MATT FEATURING SONI ARTAL es el nuevo álbum de la pareja de desperados afincados en Denia con una apuesta más evidente por trabajar la producción y aportar mayor dimensión al talento vocal y composicional de ambos, pero sin perder un ápice de la inmediatez y frescura de sus anteriores álbumes.
Quizá este esfuerzo en producción y arreglos aporta mayor cercanía y profundidad a esta colección de canciones que, sin duda, sitúan a este álbum con toda probabilidad, en lo mejor de la producción discográfica del dúo hasta el momento .
Grabado en plena pandemia, entre marzo y noviembre de 2020 con mezcla y producción de Soni Artal y masterización de Pepe Valero, esta pareja de cantantes/compositores se reparten, a diferencia de anteriores producciones, las tareas vocales, aportando una interesante diversidad en las texturas de dos voces tan distintas que se ajustan de manera impecable a las armonías de las piezas que interpretan.
Sonidos acústicos y rurales, de espacios y sonoridades amplias, profundas y sinceras, sobresaliendo “Til The Rain Dries Back Again”. Esta misma pieza junto a “16 Miles” cantada por Soni, evocan referencias evidente a los Stones de los primeros 70, que no obstante, desmontan al final con unos sorprendentes e inspirados arreglos de trompeta Tex-Mex.
El sonido acústico y amaderado del álbum no impide en ningún momento aportar la agresividad que necesitan, cuando quieren rockean, y rockean duro, muestra de ello es la pieza que da título al álbum. Sara puede pasar de estas piezas festivas, con suma facilidad a sonidos con la presencia de una huella country más tradicional “I Can Dream Again” en la tradición de la Carter Family o “Lonesome Jailhouse Blues”, a otras piezas más contemporáneas y menos previsibles, como el tema “Somewhere in the Mountains” que la sitúan en una órbita muy cercana a Lucinda Williams.
El Blues tradicional empieza a dominar sobre todo la última parte del álbum, el tema “The Death of Thin Jimmy” es un brillante hallazgo y “Red Hot Chillin'” introduce los sonidos más low-down del conjunto. El espíritu festivo y mariachi vuelve para despedirse en la última pieza del album .
Diverso y ecléctico, con pinceladas emocionales de muy diversa textura integrados por un sonido acústico muy cercano y genuino. Quizá lo mejor de Sara Gee & Ramblin’ Matt hasta el momento.
***1/2
GODDAMN BLUES – SARA GEE & RAMBLIN’ MATT feat SONI ARTAL (Auto-producido, 2021)
La actuación de Javier Tijuana Blues RevueTributo a Chess/Cobra/Checker Records el pasado sábado 21 de diciembre resultó un éxito en divertimento, frescura y calidad musical en el club La Caverna de la C/ Cuenca. Lleno completo de aforo y asistentes que no pudieron entrar.
La idea germinal de esta propuesta musical celebración por otra parte del 7º Aniversario de la Valencia Blues Society era recuperar la energía originaria del Blues que dio origen al Rock and Roll como la excusa para celebrar tres de los más esenciales sellos discográficos independientes de los años 50 y 60, esenciales en el nacimiento y desarrollo del Blues contemporáneo y cuya semilla y era el eslabón que formaron entre el Blues y su hijo bastardo el Rock’n’Roll, naciendo en la misma cuna discográfica una generación apenas 10 años posterior, con dos artistas de manera señalada y particular: Chuck Berry (1926-2017) y Bo Diddley (1928-2008) que sembraron un territorio común entre el Blues, el Rock and Roll y el Punk. Para celebrar ese espacio y como huida de los lugares comunes y reacción a las tediosas jams que secuestran el alma al Blues y se impostan en su nombre con las excusa de su ingenuidad armónica, se invitó a músicos aparentemente ajenos al género (el Punk-Rock) pero con un nexo común: el Rhythm’n’Blues y el Rock and Roll grabado en Chess Records, su subsidiaria Checker y su competidora Cobra Records.
El Blues es la Verdad y Tres Acordes. No al revés.
Ese espacio común del Blues-Punk nos lo ofrecían dos emblemas de Chess y Checker, Bo y Chuck, padres putativos del Rock and Roll. La frescura y la irreverencia para acompañar esta celebración la aportaron dos artistas que han liderado bandas míticas del punk-rock valenciano: Ximo Árido de los Áridos y Miguel Vivo de Los Vivos. La presencia del melómano y Blues y Jazz aficionado indiscutible Jose Monte PunkyJose como fotógrafo, fue el lujo definitivo. Todas las imágenes de Pepe Objetivo Indiscreto.
En torno a las 20:45 hrsJavier Tijuana Bandcon el nuevo baterista de su trío Jesús López, uno de los baterías Top de la escena europea del rock’n’roll de raíces y músico de elección en gira y estudio de las mejores bandas del país: Kabooms, The Ragtones, Kawligas, Pike Cavalero, Roy Dee & The Spitfire, etc., junto a E. Molina, quien ha grabado el último álbum de Michael Dotson y músico en la última gira que trajo a Valencia a Larry Taylor Jr. comenzaron con los instrumentales Road Runner y Bo’s Bounce de Bo Diddley.
El cantante londinense Colin Ward (Desperate 45’s, Fuckin’ Colin y los Crápulas) subió al escenario para interpretar Susie Q, que Dale Hawkins grabó para Chess en 1957. Continuaron con Look Watcha Done de Magic Sam y If It Ain’t Me (Who you thinking of) de Jimmy Rogers que acompañó a la armónica el armonicista y cantante Fernando Harp Rocker en el papel de Walter Horton en la pieza original de 1956 y el bombazo del año 1963 para Tommy Tucker Hi-Heel Sneakers.
Las grabaciones para Checker de Little Walter y Lowell Fulson sirvieron para celebrar los inevitables clásicos My Baby y Reconsider Baby. Jorge Gener acompañó a la armónica la primera y el tema de Muddy Waters I Want To Be Loved. El batería Juan Pérez se unió a estas piezas.
El armonicista y cantante Dani Tena interpretó los clásicos Help Me de Sonny Boy Williamson II y Oh Babyde Little Walter, con Juan Pérez a la batería y Fran Moreno al bajo.
Bo Diddley fue una figura especialmente celebrada en este Chess-Cobra-Checker Rockin’ Blues Revue con Miguel Vivo de Los Vivos, un grupo en los 90 formaba parte de la escena más subterránea, garajera y punk rock de Valencia a quien Tijuana invitó para compartir I Can Tell y la irrepetible Who Do You Love junto al batería californiano afincado en Valencia John Craver. John es un batería sólido como una roca, un estilista fino e impecable cuando se trata de Blues. Estas dos piezas fueron una de las cimas de la noche.
Harp Rocker & The Juke Joint Playboys es el último proyecto que Fernando comparte con Javi Tijuana de Blues tradicional y sirvió para rendir tributo al tema de Otis Rush You Know My Love, Don’t Start Me Talking de Sonny Boyy Pretty Thing de Bo Diddley.
De la conjunción Punk-Blues apareció el histórico Ximo Árido, de Los Áridos (grupo rocoso e incandescente de fines de los 80 y principios de los 90 de la escena punk-rock) que se salió interpretando la semilla del Rock and Roll más primigenio, el Maybellene que grabó Chuck Berry para Chess en 1955 en medley con Hey Bo Diddley. Total.
Armónica Frank (Paco López) interpretó It Takes Time/Three Times a Fool de Otis Rush y I’ve Been Abused de Howlin’ Wolf con John Craver y Fran Moreno.
Recuperaron a Howlin’ Wolf con el tema Poor Boy con Colin Ward. La celebración de la Rockin’ Blues Revue finalizó con J.L. Castellote que junto a Colin, Molina y J. Espinosa tocaron el You Got To Lose de Ike Turner.
Lleno absoluto en La Caverna y festivo inicio extraordinario de Navidad fin de década.
Ximo Árido, Miguel Vivo, Javier Tijuana, PunkyJose y Angel.
Felices Fiestas a todos y Feliz Año Nuevo 2020!
Tributo a Chess/Cobra/Checker Records – Javier Tijuana Blues Revue
Valencia Blues Society – Sociedad de Blues de Valencia
El día 21 de diciembre, para dar entrada a las fiestas Navideñas de fin de década y como efeméride del 7º Aniversario de la fundación de la Valencia Blues Society, JAVIER TIJUANA BAND presentan su respeto a tres sellos esenciales en la concepción del Blues contemporáneo: CHESS , COBRA & CHECKERRECORDS’ ROCKIN’ BLUES REVUE
JAVIER TIJUANA BAND (con Jesús López, y E. Molina, bajo). Featuring, invitados especiales: COLIN WARD, DANI TENA, HARP ROCKER, MIGUEL VIVO, JORGE GENER, XIMO ÁRIDO, FRAN MORENO, JUAN PÉREZ, ARMÓNICA FRANK, OSCAR ALCARAZ.
Junto a varios invitados músicos de la escena valenciana rendirán homenaje y tributo a los músicos más significativos de estos tres sellos discográficos esenciales en la evolución del Down-Home country Blues del Sur al Blues Urbano desencadenada por las migraciones de la población afro-americana hacia los centros urbanos industrializados como la ciudad de Chicago en la post-guerra del S.XX. Sumado a la influencia del Blues registrada en sellos como Bluebird, J.O.B, Trumpet o Parkway a fines de los años 40, cristalizó en torno a las producciones de los hermanos Phil y Leonard Chess y de manera particular a través del músico, compositor y cazador de talentos Willie Dixon. Estos sellos fueron CHESS RECORDS,COBRA RECORDS & CHECKER, subsidiaria de la primera.
Los hermanos Leonard y Philip Chess llegaron de Polonia a los Estados Unidos en 1928. Se introdujeron en el negocio del comercio hostelero del licor en los años 40 regentando varios bares en el South Side de Chicago como el 708 Club o el Macomba localizado en el 905 South Cottage Grove de 1946 a 1950 hasta que sucumbió a un incendio. El Macomba se convirtió en un popular club de after-hours para músicos con actuaciones de be-bop y jump-blues y artistas que habían migrado del delta y otras zonas del Sur en los años 30 y 40. Con el propósito de grabar a estos intérpretes de Blues, en el año 1947, Leonard y Phil se asocian a Aristocrat Records de Charles y Evelyn Aron, pequeña compañía independiente que grababa blues, jazz y rhythm & Blues.
Pero fue un camionero de día, McKinley Morganfield, conocido como Muddy Waters quien definiría el sonido Chess aunque grabó con Aristocrat varios singles de éxito para el sello entre el año 1947 y 1948 en un formato de piano y contrabajo y la propia guitarra de Muddy con el slide de Mississippi con el propósito de preservar la pureza de su estilo. Un estilo, que pronto se convertiría en obsoleto al no corresponderse con el formato eléctrico y muscular de la banda que acompañaba su estilo vocal crudo e imponente en los bares donde tocaba.
En junio de 1950, tras comprar la participación de los Aron y cambiar su nombre a Chess Records Leonard y Phil despegaron en los días temprano junto a compañías independientes como Atlantic, Aladdin, Specialty, Imperial, Modern y King dando al público afro-americano una música novedosa, excitante y en plena efervescencia que estaba fuera del alcance de las compañías mayores.
El innovador y demoledor sonido de la banda de Muddy Waters de la que formaron parte los talentos más brillantes de una generación que contó como el armonicista Little Walter, el pianista Otis Spann y los guitarristas Leroy Foster o Jimmy Rogers, y la inteligencia de Chess Records les convirtieron pronto en el crisol de la década dorada del Blues y a ser conocidos en la ciudad como los Headhunters/Headcutters (Cazadores de cabezas) porque copaban las fechas de los locales más importantes y acudían a shows de otras bandas imponiendo su jerarquía musical. El éxito de Waters funcionó como un imán para multitud de artistas y músicos que se desplazaron a la ciudad de Chicago. En 1952 Chess formó el sello subsidiario Checker con el primer single “Juke” con la banda de Waters pero liderado por su armonicista Little Walter, el cual alcanzó la cima de las listas de Rhythm and Blues. Walter sigue siendo considerado el talento más importante de la armónica en el blues consiguiendo otro éxito en 1955 con la pieza clásica “My Babe“.
Un joven productor en Memphis, Sam Phillips con Sun Records ya había cedido la impresión de masters de Chester Burnett, conocido como Howlin’ Wolf a los hermanos Chess, consiguiendo un hit en 1951 con “How Many More Years” y “Moanin in the Moonlight“. No pasó mucho tiempo antes de que Howlin’ Wolf firmara para los hermanos Chess quienes capturaron la intensidad de sus grabaciones en Memphis con el éxito incontestable de “Smokestack Lightnin’“. Howlin’ Wolf se convirtió en uno de los más influyentes cantantes de blues de la historia. Otros grandes artistas que Chess grabó junto a su subsidiaria Checker fueron Etta James, Sonny Boy Williamson, Lowell Fulson, Memphis Slim, John Lee Hooker o Willie Mabon, Little Milton, Koko Taylor o Tommy Tucker o el músico blanco Dale Hawkins y su pieza “Susie Q“.
Pero fue a través de la llegada de un joven cantante y guitarrista de St. Louis llamado Chuck Berry quien junto a otros artistas como Bo Diddley concibieron a través de Chess al hijo del Blues que se dio en llamar Rock and Roll. Chuck Berry convirtió una pieza originalmente llamada “Ida Red” y renombrada “Maybellene” (cambiándole la i de una marca de cosméticos), en el principio de una serie de éxitos imparable: “Roll Over Beethoven,” “Johnny B. Goode,” “Sweet Little Sixteen,” “Rock and Roll Music”
Cobra Records empezó en el West Side de Chicago dirigido por Eli Toscano quien tras su empresa con Abco Records convenció a Willie Dixon que estaba bastante descontento con su relación y acuerdos con los hermanos Chess para unirse a Cobra como buscador de talentos, productor, arreglista, compositor y bajista y convertirse en “la visión artística detrás de Cobra Records” (más o menos lo que hacía en Chess pero “en B”). Músicos que grabaron multitud de piezas y detrás de los grandes nombres como Jody Williams serán especialmente celebrados en la cita del Tributo.
Cobra se convirtió en el “sonido West Side” de Chicago iniciando su andadura con Otis Rush y su éxito “I Can’t Quit You Baby” en 1956. Le siguieron artista más veteranos como Ike Turner o revelaciones como Magic Sam en 1957 con “All Your Love” y Buddy Guy en 1958.
La cita será el sábado 21 de diciembre de 2019 a las 20:30 en La Caverna C/ Cuenca 70, Valencia.
American blues musician and singer Muddy Waters (1913 – 1983) in concert, circa 1970. (Photo by Val Wilmer/Redferns/Getty Images)
THE BLUES FREAKS – I´LL TAKE THE BLAME (Big Beard Records, 2017).
Álbum grabado en el Estudio Pájaro el año 2017 con un bonito diseño de portada y package. The Blues Freaks son un trío toledano compuesto por el Austinita John Duer al bajo y liderando las voces, Jesús Buddy García en las guitarras y Jose Luis Sepúlveda a la batería, incorporando una serie de músicos invitados que aportan cierta dimensión a la propuesta musical del trío. Propuesta sostenida a partir de temas originales escritos entre los tres músicos, a las que suman tres versiones pertenecientes al Blues de la pre-guerra (años 30) y que deja entrever el mapa sonoro que parecen situar como referencia los covers en los nombres de Tampa Red, Casey Bill Weldon o Blind Blake.
Desembocan no obstante, en la órbita del boogie-rock sureño (I’ll Take the Blame) con cierta ingenuidad en los arreglos rítmicos y melódicos (Don´t Be Looking for Me, He’s In the Jailhouse Now, Hurtin´Blues, Sold My Soul) y tratamientos instrumentales que les aparta definitivamente del lenguaje de los referentes mencionados, alcanza una mayor consistencia en los más evidentes (“Back Door Blues”), una revisión del original de Casey Bill que encarrilan rítmicamente a partir de probablemente, la interpretación de Little Walter (“Tell Me Mama”) evitando la austeridad del blues de los años 30 y galopando en la seguridad del Country-Rock-Rockabilly.
El Rock Sureño, vuelve a aparecer con más evidencia en cortes como “Drownin´Blues” en los que apuntan individualidad y cierta profundidad, en la que quizá el órgano de Julián Maeso asume la mayor responsabilidad. El pedal steel de Toño Llorente en “In The Jailhouse” es reseñable con pinceladas de Maeso que le aportan interés, especialmente en el solo melódico de Jesús García, convirtiendo una pieza que invitaba a ir a morir a un lugar común, pero que felizmente gana enteros y, esencialmente musicalidad, conforme va desarrollándose.
El piano de Sergi Fecé presenta aires de Ragtime en el inicio de “Pickin´ blues and Drinkin´Wine” con similitudes armónicas con “Ten Foot Tall” en la melodía vocal en las que parece sentirse más cómodo John Duer.
Las guitarras sostienen con cierta bravura “Sold My Soul” de Weldon, una pieza que en la interpretación del trío parece despreciar la simplicidad implícita en la falta de batería en el original en la que en lugar de imaginar el pulso, nos impone como un castigo el 2 y el 4 en la aportación del batería e ignorar la sutil dulzura del bottleneck hawaiano del original (por algo le llamaban Hawaiian Guitar Wizard) y acogotarnos en la afinación de slide abierto en E (F pitch), convirtiendo una pieza con una magia especial y simplicidad aparente en un cansino y perezoso blues-rock o rock sureño tocando un blues lento.
La tónica general es que conforme se van apartando de las pretensiones blueseras van ganando en personalidad e individualidad, plausible en las composiciones originales del trío, especialmente cuando los virtudes estilísticas, técnicas y en definitiva artísticas de los referentes, son licuados de manera tan excesiva.
TOTA BLUES & POYO MOYA – BLUES AND MORE… (Autoproducido, 2017).
Album producido y grabado en los estudios Diaula Studio de Barcelona y producido por Blussy Records el año 2017. Toda Blues y Poyo Moya son excelentes instrumentistas que abordan con elegancia y detalle una colección de covers clásicos y tradicionales a los que añaden piezas originales que no desmerecen el tratamiento interpretativo de los originales.
Clásicos como “After Hours”. “You Don´t Have To Go”, “Cherry Pink/Cerezo Rosa”, “Swanee River Boogie”, “Trouble In Mind” o “Goodnight Irene”, esta última con Chino Swingslide aportando ciertos detalles de Hokum y Ragtime Guitar, son interpretados con dominio, solidez y consistencia. Más interesantes puedan resultar para los oyentes las piezas originales tanto de Rigatozzo o de Moya como “I Feel Like a Fool” o “Poblenou Town”, que recuperan el tradicional Blues de 8 compases para componer dos emotivas piezas, la composición en menores “Blussy” a las que añaden la guitarra de Martín Merino, el blues acústico de garito Midnight Blues o el dinamismo de “Hard to make a living” que abre el disco. A lo largo del álbum, es patente que respecto a las labores vocales, el dominio instrumental de ambos parece marcar una distancia inevitable que resalta, no obstante, la sensibilidad musical de ambos artistas.
No son muy numerosos, aunque sí muy insistentes, los osados personajes que siguen empeñándose en mantener viva la llama del Blues en muchos rincones de la geografía estatal. Valencia, más que un rincón, es una zona donde siempre ha habido (y sigue habiendo) una buena cantera de bluesmen / blueswomen y mucha afición, aunque eso no suela traducirse ni en una escena efervescente, ni una apabullante asistencia a los actos convocados, ni una buena organización del colectivo de músicos o amantes del Blues en la ciudad.
Izda a dcha: J Tijuana, Lizzy Lee, David Cascantone, Paco Alcaina, Gerard Vercher, Kako Rubio. Detrás: Juan Lizaso y Ernesto Molina. Peter Rock Club, Valencia 2 marzo 2018.
Javier Tijuana, uno de esos osados personajes a los que aludíamos en el párrafo anterior, al frente de la Sociedad de Blues de Valencia, sigue insistiendo en montar festivales, actos y conciertos contra viento y marea. En ese sentido, su última movida hasta la fecha fue el Tributo a los 3 Reyes del Blues: Albert, Freddie & Albert King que tuvo lugar en el Peter Rock Club (C/ Quart 26, Valencia) el pasado 2 de marzo.
El Tributo a los Tres Blues Kings surgió como ocasión para cerrar el proyecto al frente de su banda Los Tijuana Blues. Acompañados por la sección de vientos The Crazy Blues Little Big Band, querían poner un broche simbólico con un último concierto de despedida y homenaje a los Reyes del Blues moderno y contemporáneo: Albert, Freddie y B.B. King. Se aprovecho la búsqueda del local ideal coincidiendo con la oportunidad de celebrar el V Aniversario de la constitución de la Valencia Blues Society – Sociedad de Blues de Valencia.
De esta manera, uno de los objetivos era, por una parte, celebrar la música de los 3 Blues Kings, pero también fomentar el sentimiento de camaradería y pertenencia a la comunidad de Blues en la ciudad de Valencia. El hecho de celebrar el cumplimiento del V Aniversario de la Sociedad de Blues de Valencia, dio la oportunidad de ofrecer a través de la página facebook participar a cualquier banda o músico que deseara formar parte de la celebración. Aceptaron la invitación la mayoría de las mejores y más prominentes bandas de Blues de la ciudad para aportando su particular homenaje con una versión de su elección del repertorio de uno de los Tres Reyes del Blues
Los Tijuana Bluesque contaron con Vicente Lewinski a la voz y una sólida base rítmica compuesta por Juan Lizaso y Ximo Espinosa a las baterías y Ernesto Molina en el bajo, y a quienes se sumaron, en esta despedida, el guitarrista de Nasty Boogie Raúl Rabadán, y la sección de metales The Crazy Blues Little Big Band, coordinada por Paco Alcaina en el saxo tenor, con Gerard Vercher al saxo barítono y Kako Rubio al trombón, abrieron el Tributo con el instrumental de Ike Turner & the Kings of Rhythm “Black Angel” de su álbum de 1962 “A Black Man´s Soul”. Siguieron con menciones al importante papel de T-Bone Walker en el Blues eléctrico y su influencia en los tres Kings con “T-Bone Shuffle” y “Strollin´With Bones” alternando Raúl y Javier los solos de guitarra al estilo clásico del Texas Shuffle y West Coast dando entrada a Vicente Lewinski con el clásico de Howlin´Wolf “Three Hundred Pounds of Joy”, un tema básico del repertorio de Los Tijuana Blues. Siguieron con “You Upset Me Baby” de B.B. y “Heart Fixin´Business” de Albert King.
Tomaron el relevo del Tributo Los Fabulosos Blueshakers con la vocalista Lizzy Lee, Ricardo Gener y Juanjo Malasideas. Por compromisos, no pudieron formar parte ni el armoncista Jorge Gener, ni el contrabajista Paco Rubiales, siendo Leandro Yaguas quien ocupó el bajo eléctrico. Ricardo lideró una versión del instrumental de Freddie “Overdrive” y Lizzy se apropió del clásico de B.B. King “I Woke Up This Morning” acompañadas ambas del trío de vientos “The Crazy Blues Little Big Band”.
Nasty Boogie, con Daniel Tena, Raúl Rabadán, Juanjo Malasideas y Fran Moreno, interpretaron uno de sus temas más dinámicos en su personal estilo deudor del West Coast Blues californiano. Danny Boy Blues Band (acompañado de Alfredo Montesinos a la guitarra, Fran Moreno al bajo y Juan Pérez a la batería ) interpretaron un tema de su repertorio habitual “Crosscut Saw”. Albert King fue también el Rey de elección de Nickels, con Juanjo Gallardo a la voz, Janusz Rychlicki a la guitarra, Quique Rosalen al bajo y Vicent Ferrer a la batería con una versión contundente de “Born Under a Bad Sign”. Maho Blue Band, con el cantante y guitarrista David Maho, Pepe Pardo al bajo y Juan Manuel Martínez de la Patraix Blues Band a la batería interpretaron el gran hit de B.B., “Thrill Is gone”. Woodstop de Nano Blues, con José Luis Palau, Lluís Yáñez y Javier Cambra interpretaron “Since I Met You Baby”. Chicken Curry Trio, con José Micó al bajo, Alfredo Montesinos voz y guitarra, Ximo Espinosa a la batería y Juan Pérez a la percusión, tocaron “I Live the Life I Love”. León Pérez, bajista del grupo de Castellón Delta Express, se unió a Tijuana, Raúl y Ricardo en una versión de “The Stumble” de Freddie King. Leandro Yaguas & The High Rollers versionearon el tema que grabó Albert King “Get Out Of My Life Woman”. Los TB´s retomaron el repertorio de Freddie King vía Earl King con una versión de “Come On (Let The Good Times Roll)” y “Beautician Blues” de B.B. King.
David Cascant de Blue Eyed Soul se sumó a la voz de Lizzy con Los TB´s y la sección de metales para interpretar “What About Love” de Freddie King y un saludo a Ray Charles con “Night Time Is The Right Time”. Cerraron el Tributo con una jam conjunta del “Rock Me” de B.B. King con Ernesto y Juan Manuel Martínez en la sección rítmica.
Con un estupendo éxito de público y calidad musical, este evento ha servido de campo de pruebas que permite vislumbrar lo que nos puede esperar con la próxima edición del Festival de Blues que previsiblemente adoptará una nueva dimensión, superando ediciones pasadas en cuanto a cantidad y calidad.
Blessed By The Smokestack Lightnin´!
Valencia Blues Society – Sociedad de Blues de Valencia.
Izda. a Dcha.: Con Juan Lizaso y Gerard Vercher, Lizzy Lee, Javier, Raúl Rabadán, David Cascantone, Paco Alcaina, Vicente Lewinski y Leandro Yaguas. Kako Rubio en la parte inferior, en el centro
Durante los años 60, la guitarra eléctrica ascendió al trono que ostenta en el mundo del Blues. Coincidentemente, los tres músicos más populares e influyentes de blues de esta década comparten el sobrenombre de King. B.B., Albert y Freddie aportaron cada uno una personalidad distintiva y singular a su instrumento que andaba a la par de su desbordante talento y poderío vocal. La influencia de estos tres artistas trascendió al género alcanzando al rock en su sentido más amplio y a otras músicas de cualquier parte del mundo. La influencia más directa fue con artistas que incorporaron las frases, los riffs, los turnarounds y las genialidades sonoras de los Tres Kings a su propio estilo y personalidad. En los 60 y 70 Eric Clapton, Peter Green, Mike Bloomfield, Jimmy Page, Mick Taylor y Steve Miller, en los 80 Stevie Ray Vaughan, Billy Gibbons con ZZ Top, Robert Cray, y los tejanos Jimmie Vaughan y Anson Funderburgh, Gary Moore en su conversión al Blues en los 90 o Chris Duarte y, más recientemente, Joe Bonamassa, Gary Clark Jr. o Guy King.
De los tres Blues Kings, fue B.B. King quien nació y triunfó en primer lugar, abandonando este mundo en mayo de 2015 coronado durante décadas como el Rey indiscutido del Blues. Nacido el 16 de septiembre de 1925 en las afueras de Ita Bena, en Mississippi, se trasladó pronto a Memphis (donde vivía su tío Bukka White) consiguiendo trabajar como disc-jokey para WDIA. Su apetito artístico le llevó a unas primeras grabaciones en 1949 para el sello Bullet (Miss Martha King) y más tarde a un acuerdo a largo término en Los Ángeles para los hermanos Bihari, el sello Modern, aunque una gran cantidad de estas grabaciones se hicieron en los estudios Sun Records de Sam Phillips en Memphis.
El primer éxito a nivel nacional de B.B. fue Three O’Clock Blues en 1951, previamente grabado por Lowell Fulson. Los años 50 lo establecieron como un formidable artista de R&B con una sonido agresivo y áspero con todavía influencias muy evidentes del Jump Blues de T-Bone Walker (You Upset Me Baby, 1954; Talkin´The Blues, 1955; Sweet Little Angel, 1956; Woke Up This Morning, 1956; Every Day I Have The Blues, 1959; Sweet Sixteen, 1960) influyendo a toda una generación de artistas afro-americanos a lo largo y ancho de los Estados Unidos. King dejó Kent en 1960 para firmar con ABC Paramount, siendo el Rey del circuito de Blues estadounidense y el modelo a seguir para las generaciones de músicos afro-americanos. En noviembre de 1964 grabó el álbum seminal Live at the Regal en Chicago consiguiendo varios éxitos menores hasta 1969 (How Blue Can You Get (1965), Don’t Answer The Door (1967) o Paying the Cost to be the boss (1967). Pero fue en 1969 cuando B.B. King cruzó las fronteras del mainstream y alcanzó las listas de Pop mundiales con el tema de Roy Hawkins “The Thrill Is Gone“. A partir de este momento, el reinado en el Blues de B.B. King no solo era indiscutible sino intocable. Durante los 70, 80 y 90 y hasta su fallecimiento el 14 de mayo 2015, mantuvo un elevado perfil con hasta 300 conciertos anuales por todo el mundo como un auténtico Embajador del Blues, volviéndose a reencontrar con nuevas generaciones de público gracias a la invitación del grupo irlandés U2 en su álbum Rattle & Hum de 1988. Su último álbum de estudio fue Riding With The King en el año 2000 junto a su amigo y admirador Eric Clapton e hizo diversas apariciones en el Crossroads Blues Festival junto a Clapton, Buddy Guy, Derek Trucks, John Mayer y Jimmie Vaughan.
Discografía Seleccionada:
B.B. King The Vintage Years (Ace Records, 2002)
B.B. King The Crown Records (Ace Records, 2003)
Live At The Regal (ABC Paramount, 1965)
Blues Is King (Bluesway, 1967)
Completely Well (Bluesway, 1969)
Albert King, apellidado realmente Nelson, nació en Indianola, en el corazón del Mississippi en 24 de abril de 1923. Se trasladó a Arkansas donde estuvo conduciendo una excavadora para ganarse la vida por las mañanas y actuando por las noches en los garitos locales con su conjunto In The Groove Boys , hasta que decidió dedicarse a tiempo completo a su carrera musical profesional a los 33 años. Migró al norte y en Gary (Indiana), tocaba la batería para Jimmy Reed y John Brim, siendo Willie Dixon quien le consiguió la oportunidad de grabar para un pequeño sello de St Louis, Parrot (Be On Your Merry Way b/w Bad Luck Blues, 1954) que no consiguió la repercusión que necesitaba para garantizarle otra sesión. Retornó en 1956 a St Louis de nuevo integrándose en el circuito de clubs del área tocando su Gibson Flying V que bautizó como Lucy. La popularidad que alcanzó en el circuito de clubs gracias a su poderoso y personal sonido permitió que en 1959 firmara con el sello Bobbin (Let´s Have a Natural Ball (1960), “I Walked All Night Long” (1960) que funcionaban muy bien en el área de St Louis, lo suficiente para que el Sello discográfico King reeditara “Don´t Throw Your Love On Me So Strong” (1961), que distribuyéndose a nivel nacional se convirtió en un hit alcanzando el #14 en las listas R&B. Pero no fue realmente hasta su asociación a partir de 1966 con el sello Stax de Memphis y la producción de Al Jackson cuando acompañado por una generación de músicos extraordinaria formada por los miembros de Booker T. & the MG´s, empezó a grabar una serie casi ininterrumpida de clásicos intemporales como “Oh Pretty Woman” (1967), “Crosscut Saw (1967)“, Born Under A Bad Sign (1967), “You´re Gonna Need Me“(1968), “Blues Power” (1968), o “Heart Fixin´Bussiness” (1969). Es a fines de los años 60 cuando su impacto traspasó el circuito del Blues y le abrió el paso a festivales como el Fillmore West con la grandes figuras y super-grupos de Rock del momento como Cream, The Doors, Grateful Dead o Jimi Hendrix, alcanzando a una nueva generación de músicos europeos originalmente inspirados por el Blues que en las décadas siguientes liderarían la listas de música popular como los mencionados Eric Clapton con Cream, Peter Green con Fleetwood Mack o Mick Taylor con los Rolling Stones. El estilo de Albert King, a diferencia de la evolución en la manera de tocar de B.B. o de Freddie, estaba casi completamente maduro y formado desde sus inicios, extremadamente personal y virtualmente inimitable. Tocando con una guitarra Gibson Flying V afinada 2 tonos y medio más baja y con la cuerdas invertidas por ser zurdo y con un rango vocal barítono que le confería un sonido extremadamente orgánico y fibrado, dotaba a su guitarra de una sonoridad que casi le confería un estatus de instrumento diferente a la guitarra eléctrica común del resto de artistas. Tras quebrar Stax (I Wanna Get Funky, 1974) en la década de los 70, Albert grabó para sellos como Utopia, Tomato y Fantasy con resultados muy irregulares y la mayoría cargados de una excesiva sobre-producción que desdibujaba la personalidad de Albert, destacando Cadillac Assembly Line para Truckload of Lovin (Utopia, 1976) o I´m in a Phone Booth (Fantasy, 1984) escrita por Robert Cray. Tras quedar sin contrato discográfico continuó girando en conciertos en estado de semi-retiro y un par de colaboraciones: una sesión en directo para la televisión canadiense en los estudios CHCH-TV de Ontario grabada en 1983 y publicada en 1999 con un Stevie Ray Vaughan de 29 años (In Session, 1983) y un Especial de B.B. King & Friends en 1987 (Sky Is Crying con Stevie Ray y Paul Butterfield), fue invitado a revisionar Oh Pretty Woman (1990) y Stormy Monday para un par de exitosos álbumes en la década de los 90 orientados al Blues de un converso del hard-rock Gary Moore. Albert King falleció en Memphis en diciembre 1992. Forma parte del Rock and Roll Hall of Fame desde 2013.
Discografía Seleccionada:
The Big Blues (King, 1963).
Born Under a Bad Sign (Stax, 1967)
Live Wire/Blues Power (Stax, 1968)
Years Gone By (Stax, 1969)
Aunque nacido en Gilmer, Tejas, la carrera de Freddie King fue en buena medida resultado de la escena de Blues del West Side de Chicago que le confirió un sonido singular. Tras debutar en el sello El-Bee de Chicago en 1956 (That’s What You Think, 1956), Freddie firmó para el sello de Cincinnatti, Federal Records en 1960 y bajo la dirección y producción de Sonny Thompson, su innegable talento guitarrístico y habilidades vocales le situaron nada menos que 7 entradas en listas de éxito en 1961, incluyendo el clásico “Hideaway“. La producción de singles de Freddie en esta época es simplemente abrumadora, dejando un poco aparte sus temas vocales (I’m Tore Down (1961) Have You Ever Loved a Woman (1960), I Love The Woman (1961), o Someday After a While (You´ll Be Sorry) (1964)), Freddie King grabó una serie de composiciones instrumentales de una brillantez y solidez incomparable en la historia no sólo del Blues, sino de cualquier género, sonando tan frescas entonces como lo hacen ahora 60 años después. Grabaciones como: The Stumble, In The Open, Sen-Sa-Shun, San-Ho-Zay, Heads Up, Side Tracked, Out Front, Onion Rings, Overdrive, y etcétera, constituyen compás a compás y nota por nota, un manual de Blues y libro de cabecera para cualquier músico presente o futuro en el lenguaje de la guitarra de Blues.
Tras abandonar King Records, descontento de la promoción artística del sello, se convirtió en una figura esencial del circuito de Blues de Chicago, aunque el éxito comercial de sus primeras grabaciones le fue esquivo hasta que Leon Russell visionó a Freddie King como una fuerza imbatible en el campo del Blues-Rock de los 70 produciendo varios álbumes para Shelter y en RSO Records con Mike Vernon en la producción a mitad de la década (Palace Of The King, 1971; Going Down, 1971; Big Legged Woman, 1972; ; Woman Across The River, 1973; Pack It Up, 1974; It’s Your Move, 1975) consiguiendo que alcanzase la cima de su popularidad y exitosas giras europeas falleciendo en 1976 con tan solo 42 años por fallo cardíaco.
Discografía seleccionada:
Let’s Hide Away and Dance Away With Freddie King (King, 1961)
Freddie King Sings (King, 1962)
Texas Cannonball (Shelter, 1972)
Burglar (RSO, 1974)
Puedes escuchar el programa Especial Kings Of The Blues de Javier Tijuana´s Crazy Blues Radio, emitido a través de Radio Klara el 31 de diciembre de 2017.
En este programa de Crazy Blues Radio (último emitido a través de la emisora Radio Klara de Valencia) hacemos un Especial de Los Reyes del Blues, con algunos cortes del músico de Nueva Orleans Earl King y de Saunders King, con motivo de la Celebración el próximo 2 de Marzo en Peter Rock Club del Tributo a Los Blues Kings: B.B., Albert y Freddie King, coincidente con el 5º Aniversario de la Valencia Blues Society – Sociedad de Blues de Valencia.
Set List del Programa:
1. Trick Bag (Earl King)
2. Now I´ve Got a Woman (Freddie King)
3. Palace Of The King (Freddie King)
4. Come On (Earl King)
5. Swingin´ (Saunders King)
7. What About Love (Freddie King)
7. Have You Ever Loved a Woman (Freddie King)
8. You´re Treating Me Mean (Albert King)
9. You´re Gonna Need Me (Albert King)
10. Oh Pretty Woman (Albert King)
11. So Excited (B.B. King)
12. King Of Guitar (B.B. King)
13. King´s Rock Jazz (B.B. King)
13. I Need You So Bad (B.B. King)
Programa emitido en Radio Klara 104.4 FM Valencia el domingo 31 diciembre.
Your Host, Javier Tijuana.
El Maestro T-Bone Walker – El Arquitecto de la Guitarra Eléctrica de Blues.
Aaron Thibeaux Walker (1910-1975), nacido en Linden, Tejas, de herencia afro-americana y Cherokee creció en la sección de Oak Cliff del área de Dallas-Forth Worth. Entre otros méritos, personifica un estilo que se ha denominado West Coast Blues o Jump Blues. La relevancia de T-Bone descansa sobre todo, en que fue el primer artista de Blues que combinó la guitarra de Country Blues en un contexto de Big Band y Swing Jazz y dotó en su desarrollo, de un lenguaje guitarrístico esencial para las generaciones posteriores de los instrumentistas del género, influyendo y, no es una exageración, a todos los guitarristas eléctricos de blues posteriores, y particularmente y de manera determinante, a los 3 Reyes del Blues: B.B., Albert y Freddie King. A fines de los 40 y principios de los 50 era virtualmente imposible encontrar un guitarrista de blues eléctrico no influido o literalmente un imitador del estilo de T-Bone Walker.
Además de ser un cantante de primer nivel de Blues en el sentido más puro del término, y como tal, empezó su carrera, en su contexto histórico fue como instrumentista, técnicamente un innovador, al combinar en la guitarra líneas de la sección de vientos y notas individuales para la melodía, acordes de acompañamiento que hasta el momento, eran exclusivas de las bandas y músicos de Jazz, como los acordes de 9ª y de 13ª (Mean Old World, 1942; Call It Stormy Monday, 1947), combinado con los bendings propios del Blues imposibles en los pianos, fraseos de escala hasta el grado 9º danzando en un juego sutil con el tempo de la manera más cool posible en los slow blues, alternando con una maestría sin precedentes fuera del alcance de los músicos de bebop de la época tresillos swingueados puro jazz a negras directas o cruzando ritmos de blues de 12/8 contra shuffles de 4/4 (i.e., Blues For Marili, 1956) lo que supuso un sonido completamente moderno e innovador hasta el momento, situando a la guitarra eléctrica de Blues en todo su esplendor y dinamismo sobresaliendo entre los riffs explosivos de la secciones de viento y metal de una explosiva Big Band. La influencia de sus grabaciones de fines de los 40 y años 50 es indiscutible e incomparable, siendo difícil encontrar un sólo guitarrista de Blues urbano que no se haya visto influido por el estilo y el fraseo de T-Bone Walker. Cortes como T-Bone Boogie (1945), I´m Gonna Find My Baby (1946), o Glamour Girl (1950), verdaderos hits de los años 40 y 50 modernizaron el Blues a 78 revoluciones por minuto. Sin dejar de lado la influencia que ejerció en los músicos y guitarristas de Jazz más conectados con el Blues como Tiny Grimes, Billy Butler o Bill Jennings, los discos de T-Bone Walker inspiraron a toda una generación de Maestros que desarrollaron el Blues moderno y configuraron el Blues contemporáneo tal como lo conocemos. Estamos hablando de B.B. King, Albert King, Clarence Gatemouth Brown, Albert Collins, Freddie King, Lowell Fulson, Little Milton, Guitar Slim, Buddy Guy, o su descendiente el Rock and Roll a través sobre todo de Chuck Berry, y toda la escuela de mediados de los años 40 y 50 que se ha venido a denominar West Coast: Cal Green, Pee Wee Crayton, Pete “Guitar” Lewis, Goree Carter, Gene Phillips o Jimmy Nolen y en las décadas de fin del S.XX, el relevo de artistas en esta escuela como Hollywood Fats, Junior Watson, Kid Ramos, Alex Schutz o Rick Holmstrom. El sonido relajado e íntimo unas veces y dinámico y hard-swingin´ de T-Bone, su legado e influencia siempre ha estado presente a través de artistas y grupos de Blues tradicional y contemporáneo como Roomful of Blues, Duke Robillard y Ronnie Earl y más recientemente es evidente en los guitarristas europeos Kid Andersen, Ronni Busak-Boysen, Vidar Busk o Nico Duportal.
Siendo un muchacho, Aaron Walker a menudo guiaba a un amigo de la familia, ni más ni menos que al “Rey del Country Blues” Blind Lemon Jefferson por las calles de Dallas y del Deep Ellum cargando con su estuche y guitarra a los salones y a tocar en las esquinas de los burdeles por una monedas. Un artista nato, Aaron actuó desde bien joven como bailarín, tocando el banjo y cantando en las calles, en shows medicinales y revistas. Su amigo de infancia fue un muchacho llamado Charlie Christian, el pionero por excelencia de la guitarra eléctrica en el Jazz (con permiso de George Barnes), acudiendo ambos al mismo profesor de guitarra: Ralph “Big Foot Chuck” Hamilton.
Su debut data de 1929 para Columbia con “Wichita Falls Blues b/w “Trinity River Blues” como Oak Cliff T-Bone, en un estilo muy cercano al Country Blues. El joven Walker se trasladó a Los Ángeles en los años 30 grabando en 1940 “T-Bone Blues” con Les Hite, este debut solamente como cantante y con la guitarra de steel hawaiana en los solos. Refinó su estilo guitarrístico convirtiéndose en esta década en la verdadera estrella del Blues anticipándose en sus extravagancias escénicas a Chuck Berry, Guitar Slim y por supuesto, en 25 años, a las dentelladas de Jimi Hendrix. No obstante, a pesar de su innegable ADN de entertainer, T-Bone Walker se convirtió en un guitarrista extraordinario e innovador. Piezas como I Got a Break Baby de 1942, con el maestro de las 88 Freddie Slack, Sail On Boogie (1945) y T-Bone Boogie (1945) señalaban la dirección que estaba tomando el artista. A fines de 1947 publicó Call It Stormy Monday, grabación en la cual contó con el extraordinario pianista Lloyd Glenn y con Teddy Buckner a la trompeta en formación de quinteto, su mayor éxito y un clásico inmediato que lo situó en el mapa de la escena de Costa a Costa, desafortunadamente la existencia de otro tema editado en 1942 con el título Stormy Monday Blues de la Orquesta de Earl Hines, con Billy Eckstine a la voz y un brillante solo de trompeta de Maurice “Shorty” McConnell, le sustrajo la posibilidad de ingreso de miles de dólares en royalties. En la cima de su éxito adquirió una flamante blonde Gibson ES-5 de tres pastillas (guitarra que le fue sustraída en una gira por Francia en 1968 uno de los robos de instrumentos todavía no resueltos más legendarios) con la que lideraba las conocidas all-star tours “Battle of The Blues” junto a artistas como Ray Charles, Lowell Fulson, Wynonie Harris, Big Joe Turner, Pee Wee Crayton y Jimmy Witherspoon.
Desde mediados de los 40 grabó extraordinarias sesiones para Black & White e Imperial T-Bone Jumps Again (1947), Don´t Leave Me Baby (1947), T-Bone Shuffle (1948), The Hustle Is On (1950), Strollin´With Bones (1950), Tell Me What´s The Reason (1951), conforme avanzaba la década de los 50, el favor del público se empezó a dirigir hacia otros artistas como B.B. King, Jimmy Reed o Muddy Waters, y especialmente con el advenimiento del Rock and Roll (Pony Tail, 1954), al cual no pudo incorporarse a pesar de dar muestras de una versatilidad poco común en sus grabaciones para Atlantic entre el 55 y el 57, con un tour de force guitarrístico entre T-Bone, su sobrino R.S. Rankin y Barney Kessel! en el corte Two Bones And a Pick, grabado en 1959 para el álbum T-Bone Blues. Su estilo, en todo contexto, siguió conservando la elegancia impecable y el donaire que le situaba como el Padrino absoluto de la Guitarra de Blues eléctrica.
Los años 60, innegablemente supusieron un declive dramático tras abandonar en 1960 una gira europea para Count Basie en un show conjunto que incluía a George Shearing y Ruth Brown, agravado o quizá causado por el abuso de alcohol a lo que se sumaban problemas cardíacos en un momento de re-descubrimiento de los viejos artistas de Blues a través de un Blues Revival que prestaba especial predilección a músicos acústicos, más tradicionales y rurales frente a la sofisticación de artistas del calibre no sólo de T-Bone, sino otros como el extraordinario Lonnie Johnson, el verdadero antecesor del Blues elegante y exquisito de T-Bone. Fue, gracias a la intervención de su amigo John Lee Hooker, que Walker pudo participar en la primera gira europea del American Blues Festival de 1962, en la cual impuso sin rival su maestría como entertainer, tocando con la guitarra entre las piernas o detrás de la cabeza, a pesar de que el público europeo era reacios a este tipo de extravagancias.
American Folk Blues Festival de 1962, con Memphis Slim, T-Bone Walker, Shakey Jake, Willie Dixon, Helen Humes, Sonny Terry, John Lee Hooker, Brownie McGhee (baterista Armand “Jump” Jackson tapado por Sonny Terry) Fotografo: Heinz Wolf
Sus actuaciones en Europa le supusieron un tremendo respaldo de público y crítica lo que le permitió resurgir en Estados Unidos adaptándose con destreza al sonido funky de moda a fines de los 60 grabando dos álbumes extraordinarios para el sello Bluesway: Funky Town y Stormy Monday Blues, ambos editados en 1968.
T-Bone Walker, Dizzy Gillespie and James Moody, UK 1966
Lamentablemente, su excesiva afición a las cartas y al juego y el consumo de alcohol seguía cobrando su factura e iba dinamitando su salud a pasos agigantados, quedando patente en la calidad artística de varios de sus álbumes posteriores. Su grandeza y personalidad era no obstante, tan reconocida y respetada, que artistas como Dizzy Gillespie, Zoot Sims, Al Cohn, David “Fathead Newman” o Gerry Mulligan participaron en el álbum Very Rare (1973) para Warner Bros (Fever, 1973). Dos años más tarde, T-Bone Walker falleció de neumonía tras un ataque cardíaco en marzo de 1975. Fue inducido en el Blues Hall of Fame desde 1980 y nombrado en el Rock and Roll Hall of Fame desde 1981.
Selección Discográfica:
The Complete Recordings of T-Bone Walker 1940-1954 (Mosaic, 1990).
Inventor of the Electric Guitar blues (Blue Boy, 1983).
T- Bone Blues (Atlantic, 1959).
Texto: Javier Tijuana, febrero 2018.
Asociación sin ánimo de lucro creada como referente de la escena de Blues de Valencia.
La influencia de sus grabaciones de fines de los 40 y años 50 es indiscutible e incomparable, siendo difícil encontrar un sólo guitarrista de Blues urbano que no se haya visto influido por el estilo y el fraseo de T-Bone Walker. Cortes como 
